交織當代創作與城市文化的多重風景 —— ART TAIPEI 2026 與台北藝術週「共生」的藝術現場

每年秋天，當台北逐漸進入藝術活動密集的時節，畫廊、美術館與獨立藝術空間也開始以各自的策展語言，勾勒這座城市的文化輪廓。2026 年，第三十三屆 ART TAIPEI 台北國際藝術博覽會將於 10 月 30 日至 11 月 2 日在台北世貿一館舉行，匯集來自台灣及海外共 127 家精選畫廊；台北藝術週則提前於 10 月 24 日展開，透過超過 80 間畫廊、美術館與藝術機構的串聯，將藝術的觀看經驗帶往城市不同角落。兩項活動以各自的主題相互呼應，讓台北在秋季形成一條橫跨藝術市場、文化研究與城市生活的交流路徑。

2025 ART TAIPEI 盛況 ⓒ Taiwan Art Gallery Association

一座城市的藝術節奏

從世貿展館延伸至街區

首先，創立於 1992 年的 ART TAIPEI，由社團法人中華民國畫廊協會主辦，長年扮演台灣藝術市場與國際交流的重要平台。2026 年展會共有 66 家台灣畫廊與 61 家海外畫廊參與，從耿畫廊、尊彩藝術中心、亞洲藝術中心、Bluerider ART 藍騎士藝術、索卡藝術、異雲書屋到伊日藝術計劃，呈現台灣畫廊在不同創作脈絡與市場領域的持續耕耘。國際陣容則包括貝浩登 Perrotin、新加坡 Richard Koh Fine Art，以及由村上隆創辦、時隔多年重返展會的 Kaikai Kiki Gallery。韓國參展畫廊更由去年的 15 家增加至今年的 25 家，Gana Art 與 GALLERY BATON 等畫廊亦將參與其中，映照亞洲當代藝術網絡持續擴張的動態。

影音｜Taipei Art Week 2026 台北藝術週形象影音

此外，今年 ART TAIPEI 的核心主題為「Symbiosis 共生」，將藝術放進科技高速發展的時代背景之中重新思考。當數位影像不斷更新，人工智慧逐漸介入創作與觀看，作品的物質性、身體感知與現場經驗也因此獲得新的意義。藝術家透過顏料的堆疊、材料的刻鑿、影像的轉譯，以及對生態、宇宙和人類處境的觀察，將抽象的時代命題帶回具體的視覺經驗。觀者在作品前停留的片刻，既是感官的接觸，也可能是對自身生活方式的一次重新檢視。這種共生關係同樣體現在展會的策展實踐之中。

2025 數位藝術放映計畫

部分畫廊將經典與當代作品並置，使展位成為藝術史持續被閱讀、比較與重新編目的場所；另一些畫廊則透過跨文化創作與材料實驗，讓不同世代、地域和觀念彼此對話。ART TAIPEI 2026 亦規劃日本當代藝術特區「Turning the frown upside-down」，由東京 MISAKO & ROSEN 畫廊的 Jeffrey Ian Rosen 策劃，聚焦 2008 年之後日本藝術生態的變化，重新探討藝術家、畫廊、獨立空間與藝術市場之間的關係。這項企劃讓人看見，藝博會的意義也可以延伸至制度與合作模式的討論，為亞洲當代藝術尋找更多可能的連結方式。

耿畫廊展出作品，郭思敏《奕奕#2》漆鐵，95x286x120cm，2023

畫廊焦點一

貝浩登 Perrotin｜B04

從童年遊戲、古典圖像

到材料的另一種生命

來自法國的國際畫廊貝浩登 Perrotin 重返 ART TAIPEI 2026，以繪畫、雕塑及紙本作品構成跨越不同世代與地域的展覽，並以梅迪・哈迪揚盧（Mehdi Ghadyanloo）、村上隆、陳飛及王梵僧四位藝術家的個人單元為核心，延伸至記憶、想像、人物形象與材料實驗等議題。作品之間形成多重對照，讓觀者在不同的視覺語言中，尋找熟悉與陌生、精確與曖昧之間的微妙關係。首先，梅迪・哈迪揚盧的繪畫以滑梯、梯子及近似動物的形體，構築明亮而封閉的盒狀空間。飽和的粉色與藍色帶出遊樂場的鮮明印象，精密的透視與光影則使畫面浮現一種難以言明的不安。

（左）梅迪·哈迪揚盧 Mehdi Ghadyanloo《無題 Untitled》2026，布面油畫，235 × 135 cm；（右）維維安·格蕾文 Vivian Greven《溫蒂妮 I (Undine I)》 2026，布面油彩與丙烯，160 × 130 cm，攝影／Photo: Ivo Faber；圖片提供／藝術家與貝浩登 Courtesy of the artist and Perrotin

滑梯原本象徵童年的愉悅，卻也暗示著路徑早已設定的處境；當人走進某個結構，選擇的自由便可能受到環境限制。藝術家藉由童年意象探問命運、脆弱與控制，讓看似輕盈的畫面承載更深層的現實感受。村上隆則在流行文化與日本古典藝術之間持續建立對話。展出的《浮世繪→R. Mutt〈黑牡丹與蝴蝶〉：致敬葛飾北齋》，以金箔、牡丹與蝴蝶連結浮世繪、琳派的視覺傳統，以及藝術家對「超扁平」圖像語彙的探索。當熟悉的花朵與鮮明色彩進入金屬箔面的反射效果，圖像也在平面與光澤之間獲得新的觀看層次。

村上隆 Takashi Murakami《浮世繪→R. Mutt〈黑牡丹與蝴蝶〉：致敬葛飾北齋》2026，布面丙烯、金箔，裱於鋁框，41.6 × 60 cm ©2026 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved.；圖片提供／藝術家與貝浩登 Courtesy of the artist and Perrotin

王梵僧的《鈞天雅會》則將中國山水與志怪傳統延伸至奇異而自成一體的圖像世界。生物、物件、建築與想像形體相互交疊，構成難以用單一敘事解釋的景觀。陳飛近年的作品則以自傳式創作重新檢視肖像與靜物，將人物身份、身體表面及日常記憶轉化為細膩而具有心理張力的畫面。貝浩登的展位因此呈現出多樣的當代藝術路徑：傳統可以成為創新的起點，日常可以通往心理深處，而材料也能改變我們理解圖像的方式。

（左）陳飛 Chen Fei《自畫像 2 (Self-portrait 2)》2025，亞麻布面丙烯，40 × 30 cm，攝影／楊浩；（右）王梵僧｜Wang Fanseng《鈞天雅會 The Elegant Gathering of Celestial Music》2026，布面丙烯上光，180 × 180 cm；圖片提供／藝術家與貝浩登 Courtesy of the artist and Perrotin

畫廊焦點二

ss space space｜S03

在獨立精神與國際藝術網絡之間

成立於 2023 年、位於新北市八里的 ss space space，以「讓空間變得可被觸摸」（Make the space touchable）為核心理念，持續探索藝術家自主營運、研究、策展與市場實踐之間的關係。2026 年秋季，這個獨立藝術空間參與義大利 Artissima，並受邀加入 ART TAIPEI 的日本當代藝術特區「Turning the frown upside-down」，展現台灣獨立藝術實踐與國際網絡之間的連結。在台北藝博的特展合作中，ss space space 將呈現亞歷謝・伊茲邁洛夫（Alexei Izmaylov）、詹賀（Hojan）與郭秉恩（Pingen Kuo）的作品。伊茲邁洛夫運用現成物與工業材料，構築探討遊戲、權力與消費慾望的有機系統；詹賀以中性而靜謐的色調切入生活中的荒謬感；郭秉恩則將藝術史元素與日常經驗交織，在細節之中捕捉時間的流動與記憶的重量。三種創作方法各自出發，卻共同觸及當代生活裡物件、制度與個人經驗的相互牽動。

郭秉恩 Pingen Kuo《Glass No.5》圖片提供／ss space space

這項合作也呼應「Turning the frown upside-down」對日本獨立藝術生態的關注。2008 年金融海嘯之後，日本部分藝術家、編輯與畫廊逐步發展出兼具商業運作與獨立精神的合作模式，試圖在大型畫廊主導的市場結構之外，開拓更具彈性的展示與交流方式。ss space space 的參與，讓台灣的藝術家自營空間進入這場跨國對話，也使 ART TAIPEI 的展場成為討論藝術生態、合作制度與創作自主性的現場。回到八里，ss space space 同期推出台灣觀念藝術家劉和讓的個展《晚報》，以八里、spd 與嘉義「365 號路東森林」三個地理節點構成離散式展演。作品從晚報藝文副刊、歷史事件、印刷廠影像與材料痕跡出發，將時間、地理與集體記憶交織成一份可被重新閱讀的空間檔案。從國際藝博會到地方展覽，ss space space 持續將研究與實踐帶往不同場域，讓獨立藝術空間成為連結藝術家、機構與觀眾的活動節點。

ART TAIPEI 的日本當代藝術特區「Turning the frown upside-down」三位展出藝術家的作品文宣。圖片提供／ss space space

畫廊焦點三

也趣藝廊｜C13

在共鳴與靜謐之間

重新觀看風景與生命

也趣藝廊以《Resonant Stillness｜共鳴中的靜謐》為題，集結台灣、日本、義大利與荷蘭藝術家的繪畫、雕塑及複合媒材作品，試圖在節奏緊湊的藝博會中，建立一處能讓觀者放慢腳步的觀看場域。作品分別從風景、身體、記憶、自然與象徵性形體出發，將不同文化背景與創作方法匯聚在同一個展位，讓觀看成為感官與內在經驗相互交會的過程。范揚宗（Yang-Tsung Fan）的《泳池系列－七月》以壓克力平塗、膠帶貼邊與半透明媒材，重現公共泳池中的水感與光線。藝術家曾在整個夏天持續觀察泳池，將日常所見轉化為近似生活日記的畫面。畫面視角在遠觀與近看之間切換，觀看者與被觀看者的位置也隨之改變；泳池裡的光影、肌膚與水氣，因而成為記錄時間與身體感知的媒介。

(左) 范揚宗《泳池系列-七月 》Acrylic on canvas | 60 x 40 cm | 2026；(右) 范揚宗《泳池系列-七月 》Acrylic on canvas | 60 x 40 cm | 2026。圖片提供／也趣藝廊

劉昕穎（Hsin-Ying Liu）則將風景處理成開放的心理空間。她的作品沒有明確的視覺焦點，色彩、形體與景致以並置的方式展開，觀者可以依循自身感受自由遊走。當外在景觀與內在情緒交疊，風景便不再只是對自然的描繪，也成為記憶與感知的投射。她近期的陶塑創作進一步模糊身體、地景與記憶之間的界線，延伸出更具觸覺與空間感的表達。吳逸寒（Yih-Han Wu）的繪畫以細膩的罩染與近乎古典繪畫的質地，呈現人物介於稚氣與世故之間的曖昧姿態；近年的水彩作品則延續她對女性主體與身體凝視的探索。

Willy VERGINER，Volo e tutto sembra blu（我在飛，周圍的一切都是藍色），椴木、鐵、丙烯，36 x 84 x 37 cm，2026。圖片提供／也趣藝廊

荷蘭藝術家 Chris Berens 透過裁切、剝除與層疊薄膜的特殊技法，在作品中營造柔和而朦朧的光感，使古典繪畫的幽暗氛圍與個人潛意識相互交融。義大利藝術家 Willy Verginer 以椴木雕刻孩童、動物與人物形象，將色彩化為具有張力的表達手段，從生態與消費議題切入當代生活。日本雕塑家土屋仁應（Yoshimasa Tsuchiya）則借用傳說與象徵性的動物姿態創造幻獸，結合傳統雕刻技法與水晶眼，賦予作品澄澈而近乎真實的生命感。從范揚宗的夏日泳池到土屋仁應的奇幻生物，也趣藝廊藉由多元媒材與不同的觀看節奏，讓觀者在細節中感受時間、自然與生命形態的微妙變化。

 土屋仁應 Yoshimasa TSUCHIYA | 猫竜 Cat Dragon | Painted camphor wood, borosilicate glass by Fukuo Tanaka | 62 x 51 x 31 cm | 2026。圖片提供／也趣藝廊

當藝術成為一種觀看世界的方法

最後，從 ART TAIPEI 的「Symbiosis 共生」，到台北藝術週的「Velocity 速度」，2026 年秋季的藝術活動呈現了兩種彼此呼應的思考方向：一方面，藝術透過人與科技、材料與記憶、不同文化與創作方法的交會，探索共存的可能；另一方面，藝術沿著城市的街道、畫廊與公共空間持續流動，讓原本分散的文化節點形成新的連結。多家畫廊的展出，也從不同角度回應了這樣的時代情境。貝浩登透過古典圖像、童年經驗與當代人物形象，探索記憶、身份與現實之間的複雜關係；ss space space 將藝術家的自主實踐帶入國際合作網絡，持續思考創作與制度的關係；也趣藝廊則以細膩的繪畫與雕塑，引導觀者重新感受風景、身體與生命的內在節奏。

MIT 何宇森 X 耿畫廊《南方雪系列》複合媒材，約800 × 600cm，2018–2025 

總言之，當一場藝術博覽會匯聚來自不同地域的作品，一座城市也因藝術週而展開更多文化交流，藝術便不再局限於收藏、交易與展覽的範圍。它可以是一次重新觀看熟悉事物的機會，也可以是理解他人處境、感受不同文化，或重新思考自身生活的起點。走進 ART TAIPEI 2026，觀眾面對的是一個多元而密集的藝術現場；走進台北藝術週，則能沿著城市的路徑，逐步發現藝術如何與日常生活相遇。當共生的觀念與城市流動的速度相互交會，台北的秋季藝術風景，也因此擁有了更開放的面貌。

整輯｜Eddie

圖文提供｜社團法人中華民國畫廊協會

*此篇授權轉載自「LaVitaChic 雅致生活」原始標題為

「從共生到速度，讓藝術走進城市與日常 —— 2026 ART TAIPEI 台北國際藝術博覽會 × 台北藝術週」